Banksy, el artista fracasado

El éxito comercial es un fracaso para un grafitero” 

¿Sabéis de quién es esta afirmación? Irónicamente, de uno de los grafiteros más ricos del MUNDO. El artista urbano por antonomasia, el enigmático y el carísimo; Banksy.

(Si no tienes tiempo para leer y prefieres escuchar este texto en formato podcast, pincha aquí y ve al minuto 33:44 para que te lo cuente de viva voz 😉

https://www.ivoox.com/culters-programa-1-el-fracaso-audios-mp3_rf_60980485_1.html

Es paradójico que sea justo él quien plantee esta disyuntiva, sí, pero es que eso precisamente es lo que busca Banksy con cada una de sus obras; cuestionar el arte, los precios, el éxito de ciertos artistas, el valor incluso de sus propias obras…

Posiblemente una de las ocasiones en las que más ha evidenciado este artista el fracaso de la mercantilización sea en la que en plena Subasta en Sotheby’s, justo al terminar la venta de una de sus obras más famosas, la icónica niña con el globo, por más de un millón de euros, la obra comienza a autodestruirse a través de una trituradora de papel que él mismo había integrado en el marco de la misma. Entre los asistentes se escuchaban gritos de asombro, carcajadas, y frases como “Maldito Banksy, lo ha vuelto a hacer” Podéis ver en Youtube el video de ese mítico momento.

Y es que, lo que para Banksy fue un acto de rebeldía, de ridiculización del valor de la pieza y de venganza contra el mercado del arte, terminó asumiéndose como una performance maravillosa que revalorizó la obra y ¡duplicó su precio! ¿Fracaso, genialidad, éxito premeditado…? La polémica está servida. (Se aceptan comentarios más abajo ;))

Pero sin duda, la obra maestra de este genio sobre esta polémica precisamente, es el falso documental que dirigió en 2010 llamado ‘Exit Through the Gift Shop’ y que podéis ver al completo en youtube.

Para los que no lo hayáis visto, se trata de un falso documental que comienza presentándonos a un personaje llamado Thierry Getta (y no digo lo de personaje como personaje de un relato, sino como personaje con todas las letras, personaje…PERSONAJE) Resulta que Thierry tiene una obsesión tremenda con filmar cosas, filmarlo todo: sus periplos familiares, las ciudades, calles, acciones…todo. Y todo muy random. 

Un día, Thierry le pide a su primo grafitero que le deje acompañarle en sus peripecias callejeras para grabarle, con la paradoja de que su primo resulta ser Space Invaders, uno de los artistas urbanos más internacionales, y es justo así como el arte urbano se cruza en el camino de este tipo raro, que termina acompañando y filmando las intervenciones nocturnas de artistas como Shepar Farey, más conocido como OBEY, o Banksy, en las calles de Nueva York.

Con todo este material inédito e insólito, Getta plantea hacer un documental sobre el arte urbano, llamado “La vida a control remoto”, documental que, por supuesto, teniendo en cuenta la naturaleza del personaje termina siendo un desastre. Banksy lo describe con estas palabras: ‘Cuando vi la película me di cuenta de que Getta era alguien con problemas mentales que por casualidad tenía una cámara. El clip Era hora y media de trailers de pesadillas imposibles de ver, como si alguien que padeciera un déficit de atención sacudiera el mando a distancia saltando a través de 900 canales de televisión. Era una mierda” (Podéis oír como lo explica el propio Banksy en el vídeo adjunto más arriba, en el minuto 55:00)

Pero esto no acaba aquí, Banksy, que en el fondo es un sensiblón, para no desanimar del todo a su colega, le propone, (eso sí, vagamente), una idea para olvidarse del estrepitoso fracaso de su película. “Ahora que has visto las bambalinas del arte urbano ¿Por qué no vas y pones una serie de posters, haces algo de arte, invitas a algunos amigos para que lo vean y abres un par de botellas de vino?

Pero como era de esperar, esto no se quedó en una amable propuesta y Getta obsesivo con todo lo que hace, se lo toma demasiado en serio, se adentra en un mundo muy loco que él mismo crea y se autoproclama MR Brainwash, ‘el señor lavacerebros’, defensor de que todo movimiento artístico consiste en un lavado de cerebro del ciudadano consumidor.

Y de nuevo, todo acaba como el cuadro de la niña con el globo: de una forma muy paradójica y como la broma más cara de la historia: acaba creando una exposición de lo más surrealista, con obras sospechosamente parecidas a las obras de Banksy, pero que de golpe le hacen posicionarse en la cumbre del mercado del arte convirtiéndole en uno de los artistas más cotizados de los estados unidos, y alcanzando ventas en esta primera expo que superan el millón de dólares. BOOM.

Y aquí es donde vienen las preguntas: ¿Fue su fracaso como director de documentales lo que llevó a Guetta al éxito como artista urbano? ¿Fracasó Banksy sugiriéndole a Getta probar con el arte para tener ver después cómo sus obras alcanzaban precios insólitos? ¿fracasamos nosotros como consumidores al pagar cifras millonarias por obras creadas en 20 segundos y por un artista impostor?

A todo este torbellino repentino Banksy respondió “No sé qué significa el éxito de Thierry en el mundo del arte. Quizá él era un genio en sí mismo. Quizá tuvo suerte. O Quizá el arte sea una broma”.

Atención al minuto 1:21:16 – 1:21:30

Sea como sea, Banksy había logrado de nuevo su objetivo: cuestionar las reglas artísticas, vaciar las obras de sentido y polemizar sobre el mercado del arte.

Y lo más curioso de todo es que, todos estos fracasos que se documentan en “Exit throug the giftshop”, acaban con varios éxitos en la mochila.

Una nominación a los Oscar como mejor película documental, una nominación a mejor director en los premios Bafta y el premio a la mejor película documental en los Independent Spirit Awards.

¿Fue todo una gamberrada más de Banksy?
¿Es Mr Brainwash su obra más elaborada?

¿Es real todo lo que aparece en el documental o es el guión una obra en sí misma? ¿Es Mr.Brainwash el alter ego de Banksy?

https://www.instagram.com/mrbrainwash/

Él mismo confesó en una entrevista que “todo en ella es verdad, en especial las escenas en las que todos mentimos“.

El debate que generó este documental, continúa a día de hoy y puede que efectivamente nunca conozcamos la respuesta a todas estas preguntas…

Lo que sí está claro es que todo lo que Banksy toca. Sea un muro, sea a un colega o un marco-trituradora, lo convierte en oro. Así que, si volvemos a su afirmación de que “el éxito comercial es un fracaso para los grafiteros”, sin duda, Banksy, es el artista más fracasado de toda la historia del arte urbano.

¿Y tú? ¿Eres del bando de Banksy-Genio? ¿o Banksy-uno más? 😉

PUEDES ESCUCHAR EL PODCAST SOBRE BANKSY AQUÍ:

(MINUTO 33:44)

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La alegría de vivir | Vinz Feel Free

La pandemia está trastocando todo. Y todo, está intentando adaptarse a ella.

Por ello, y como ha hecho durante siglos, el arte se ha amoldado y ha cambiado los procesos creativos, los tiempos de reposo, las temáticas, la manera de ser expuesto y consumido

Y gracias a ello y a que hay artistas que actúan rápidos y veloces, pero bajo una espina dorsal predeterminada y más que mascada, surgen exposiciones como la deVinz Feel Free, que hablan de lo que estamos viviendo, desde hace apenas 180 días.

Hacía tiempo no pisaba una exposición tan bien estructurada. Quizá sea porque llevo muchos meses sin pisar una galería, un museo o una sala de exposiciones, pero, una vez entré y leí en diagonal lo que el autor dejó escrito en el folleto de la entrada, junto con el gel hidroalcohólico, entendí inmediatamente la exposición como la estructura fija de un texto (introducción, cuerpo y desenlace) o como las capas de una tarta (chocolate, más chocolate y sirope de chocolate por encima). Sea como sea, se distinguían tres partes muy diferenciadas:

  • Qué fuimos durante el confinamiento: Narra todo lo que hicimos durante el confinamiento, desde los momentos más tediosos, hasta la hora de los aplausos, pasando por tareas cotidianas o las drogas que más se consumieron durante estos días…
  • Qué pudimos ser y no fuimos durante la pandemia: Presenta actividades peligrosas, normalmente por su incapacidad para mantener la distancia de seguridad (carreras, festivales, conciertos, fiestas regionales, tradiciones…), que han sido canceladas, pospuestas o prohibidas.
  • Qué somos y porqué: Por qué hicimos lo que hicimos y dejamos de hacer lo que dejamos de hacer. Qué nos ha parado y porqué tenía que ser así… Esta parte ha sido creada exclusivamente por Txema Rodríguez, fotógrafo y periodista y actual editor gráfico de Las Provincias.

“…un mazazo de realidad, más desnudo que todos los personajes anteriores, en forma de fotografías tomadas durante el mes de abril en el hospital de la Fe (Valencia), nos atiza donde más duele para responder a ese porqué que anunciaba Vinz Feel Free al comienzo de la exposición

Y es que, tras un recorrido por esta fábula, donde los personajes desnudos con cabezas de animales aplauden en los balcones y protagonizan el confinamiento, un mazazo de realidad, más desnudo que todos los personajes anteriores, en forma de fotografías tomadas durante el mes de abril en el hospital de la Fe (Valencia), nos atiza donde más duele para responder a ese porqué que anunciaba Vinz Feel Free al comienzo de la exposición. ¿Por qué tuvimos que estar encerrados? ¿Por qué y a quién aplaudimos? ¿Por qué hemos recurrido a las drogas? ¿por qué hemos perdido tradiciones, carreras, festivales y conciertos…?

Sobre la exposición:
Vinz Feel Free
Del 25 de septiembre al 31 de octubre
en Galería Cuatro c/ Nave 25 Valencia

Sobre el artista:

Vicent Soler, conocido como Vinz Feel Free, es un artista urbano valenciano licenciado en Bellas Artes por la Universidad Politécnica de Valencia. En el año 2011 emprendió ‘Feel Free’, un proyecto que ha llegado a las calles y galerías de Europa y EE.UU., que expresa naturalidad y libertad personal con fotomontajes de cuerpos desnudos, mezclados con cabezas de animales.
Consulta más obras aquí: @vinzfeelfree

Pejac | Cuando el arte no entiende de confinamientos

Muchos le comparan con el famoso Banksy, y es que sus trazos simples mezclados con el trasfondo complejo y lleno de crítica de sus obras, hacen que su impronta recuerde a la del británico.

Se trata de Pejac, un artista nacido en Santander pero formado en la facultad de Bellas Artes de Salamanca, Barcelona y Milán.  Al contrario que muchos artistas urbanos, que comienzan en los muros y acaban exponiendo en museos, Silvestre Pejac, comenzó entre las paredes de las galerías y terminó saliendo de ellas para pintar en la calle.

“La calle es el mejor escenario para acercar el arte a la gente que por los motivos que sea, nunca ha puesto un pie en un museo o en una galería de arte”, asegura el Santanderino en una entrevista.

Milán y algunos profesores demasiado rígidos con sus ideas sobre el arte, fueron quien despertaron su interés por el Street art, sin embargo, no fue hasta 2009 que comenzó a tomar las ciudades como lienzo. Moscú, París, Estambul, Londres, España o Portugal son algunos de los países donde ya ha dejado su huella y parece que el artista guarda en esa lista muchos más renglones.

Las imágenes de Pejac lucen un equilibrio perfecto entre la sencillez de los trazos y la complejidad de la técnica. Un mundo que se escurre por la acera y se cuela por una alcantarilla, unos barrotes de celda que se recogen a modo de cortina, ladrillos que se convierten en ramas… Obras llenas de melancolía y humor, con una gran dosis de crítica y un pequeño toque de ironía que invitan al espectador a pararse y reflexionar.

El proceso de creación de sus obras, tiene lo mínimo de azaroso y espontáneo. Según cuenta, primero reflexiona, piensa en la imagen y después de haber barajado diferentes formatos y soportes, busca el escenario perfecto para materializarla.

Pinceladas precisas con la cantidad perfecta de sencillez que dan como resultado un lenguaje poético que “huye de la belleza simple y busca la esencia en la cara oculta de las cosas”.

Uno de los ingredientes más importantes en el arte urbano, es remover conciencias y en eso, Banksy es experto. Es quizá por eso, por lo que ahora, a este artista español, le comparan con él, porque al igual que el británico, remueve a la vez que cautiva. 

Y LLEGÓ EL CONFINAMIENTO…

En esta ocasión, la calle ha tenido que esperar, por razones obvias. Pero el arte no entiende de confinamientos y Pejac nos invita a dibujar esa libertad ansiada, sobre las ventanas de nuestros hogares, los que estos meses, se han convertido en mas CASA que nunca.

Lo hizo a través de sus redes sociales bajo el hashtag #StayArtHomePejac. En apenas 48 horas, las publicaciones se multiplicaron y los vídeos y las creaciones en las ventanas, llegaban de más de 50 países y de los 5 continentes.  

Siluetas que andan sobre los tejados, hombres que llueven, nubes que hablan, ventanas que se convierten en noches estrelladas, nuevos vecinos en las azoteas…  

“Me ilusionaba pensar que la respuesta de la gente podía ser buena, ya que todos tenemos ventanas, imaginación y, en estos días tan complejos, mucha necesidad de romper la rutina. Pero la cosa se ha hecho inmensa y además en muy poco tiempo. Cada archivo nuevo que recibo lo abro con la misma ilusión que al desenvolver un regalo”, comentaba Pejac en una entrevista con Esquire.

Ojalá pronto, las calles vuelvan a convertirse en lienzo y se llenen de arte y de gente que le dé sentido. Mientras, a falta de calles… buenas son ventanas.

ENTREVISTA | Miss Van

Nada de etiquetas para la PINTORA que marcó un antes y un después en el universo femenino del arte urbano

Miss Van

A pesar de que la calle fue su primer lienzo, Vanessa Alice, más conocida como Miss Van, resopla cuando escucha términos o etiquetas como ‘artista urbana o grafiti’. ‘Me considero, ante todo, pintora’, señala. ‘No me gusta la etiqueta de la calle, de hecho mi pintura se puede trasladar a cualquier soporte, en cualquier lugar. No está marcada por el grafiti y nunca lo ha estado’, sentencia.

A pesar de que la calle fue su primer lienzo, Vanessa Alice, más conocida como Miss Van, resopla cuando escucha términos o etiquetas como ‘artista urbana o grafiti’. ‘Me considero, ante todo, pintora’, señala. ‘No me gusta la etiqueta de la calle, de hecho mi pintura se puede trasladar a cualquier soporte, en cualquier lugar. No está marcada por el grafiti y nunca lo ha estado’, sentencia.

Por ello, URVANITY, la primera feria española dedicada al Nuevo Arte Contemporáneo, le queda tan bien. Porque ambos (artista y feria), huyen de etiquetas y prefieren reivindicar apellidos que no se limiten al arte urbano, sino que abarquen todas aquellas disciplinas y expresiones artísticas desarrolladas en el contexto urbano a partir de los años 70 y que evolucionan hasta los talleres, los estudios y las galerías.

En esta tercera edición de URVANITY, Miss van, junto con Dan Witz, Jan Kaláb y Sam3, forma parte de la nueva sección bautizada como Solo Shows, donde se puede contemplar su obra en un contexto propio y de manera independiente.

Fousion Gallery (Barcelona) será la galería encargada de exponer su obra, donde no faltarán, por supuesto, sus famosas poupées; muñecas coquetas, llenas de erotismo, provocación y sensualidad a la vez que de nostalgia y aires naif. Princesas a medio camino entre niñas y mujeres que plantan cara al muro con sugerentes labios, ojos rasgados y aires burlesque – pin
up.

“Recuerdo la primera que pinté, fue en Toulouse. Durante muchos años apunté la fecha y la calle donde las pintaba, pero luego lo dejé y es cierto, que me hubiera gustado mucho guardar aquello como registro para saber exactamente qué he hecho, cuándo y dónde. Hay algunas poupées que marcan algunas épocas, y otras que ya no me gustan nada”, confiesa.

Comenzó pintando en las calles de su Toulouse natal en 1993, cuando tenía solo 20 años. “Estoy contenta de haber empezado hace tantos años, cuando todavía ‘no había internet’. El proceso fue muy espontáneo, muy puro, muy sincero. Hoy, con las redes sociales, se ha perdido esa esencia. Estoy contenta de poder seguir pintando y haber visto evolucionar mi
arte, pero siempre desde esa visión de la cultura más antigua y tradicional de la calle”, explica.

Y es que, a pesar de huir de las etiquetas, es imposible no reconocer a Miss Van, como unas de las grafiteras más importantes de Europa y una de las primeras mujeres en romper los esquemas de un mundo artístico liderado por hombres. De hecho, la biografía de su web la reconoce como una de las pioneras en el movimiento femenino del Street art. Por ello, y
aunque sabemos que la respuesta puede ser una exhalación, le preguntamos sobre la mujer y el mundo del grafiti.

“Me cansa y me aburre este tema. Me aburren las preguntas sobre la diferencia entre hombres y mujeres, la situación de las mujeres en el grafiti… Hay mucha información en internet, cada uno puede informarse”, concluye.

Ha expuesto en Asia, en Europa y al otro lado del charco, en galerías de la talla de Merry Karnowsky en Los Angeles o la Jonathan LeVine Gallery de Nueva York. Ha pasado la mayor parte de su vida artística en Barcelona, donde vive actualmente, y es allí donde se siente a gusto, donde ha instalado su taller (a 10 minutos de la playa) y donde encuentra la inspiración.

“Cuanto más viajo más me doy cuenta de que no hay un lugar concreto para inspirarse. Cada uno con sus propiedades y sus encantos, inspira de manera diferente. Me cuesta mucho decidir aunque mi base ahora está en Barcelona desde hace 15 años. Estoy contenta de volver aquí, es una ciudad fácil para moverse. Ya no pinto en sus calles, pero todavía sobreviven algunos murales. Prefiero el trabajo en mi taller, me gusta ir a la playa que está a 10 minutos de éste, y me gusta el lado histórico de la ciudad. La parte ‘mala’ de la ciudad es el turismo y que la parte artística ya no se desarrolla demasiado bien y no ponen dinero ni energía en esto”.
Sin embargo, confiesa que no solo le inspiran los viajes, sino también “los encuentros, la energía de la gente, las películas, las exposiciones, la música…”

  • ¿Y las mujeres? ¿Qué mujeres artistas te inspiran? ¿Qué aportaron ellas que no pueden aportar los hombres?

“Frida Khalo, Leonor Fini, Leonora Carrington y mujeres del surrealismo”, contesta decidida. “La mujer aporta toda la sensibilidad, la delicadeza y sensualidad que quizá un hombre no puede o no tiene desarrollado de la misma forma. Es esencial tener la visión de la mujer para cualquier disciplina. No solo en el arte, sino para la vida en general. Es irremplazable. Por ejemplo, creo que la visión más interior de una mujer no la puedes pintar siendo hombre. Yo, como mujer, me permito más cosas a la hora de pintar. Me permito pintar de cierta forma que quizá podría parecer machista si lo hiciera un hombre. Pinto a mujeres fantasiosas, mujeres objeto, sensuales, provocativas, ambiguas… Y las pinto sin censura y tomando todo ese derecho y libertad para hacerlo desde mi condición de mujer”.

  • ¿Próximos proyectos? ¿Algún sueño cercano?

“Quiero escribir mi libro retrospectivo, seguir viajando, seguir exponiendo. He llegado a un punto que ya estoy haciendo lo que me gusta y estoy contenta con mi vida. Soy ambiciosa pero menos que hace 20 años y ya no sueño a gran escala. No quiero enfocarme solo en el trabajo, quiero seguir haciendo lo que estoy haciendo, seguir creando, volver a hacer algunos murales… Quiero centrarme en encontrar personas que me motiven e inspiren para seguir creando, colaborando… Es lo que pido; que la inspiración no pare y ser súper sincera con mi trabajo para no desconectarme de él en ningún momento”

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MUJERES ARTISTAS | URVANITY

Hilda, Martina, Laurina y Anna tienen todo y nada en común. La primera es color y geometría, la segunda minimalismo hecho mujer, la tercera ‘un pato con cabeza humana y viceversa y la última es madera, texturas y superposición de capas. Y a pesar de que sus estilos son universos diferentes, todas tienen en común cuatro grandes cosas: son artistas, mujeres, con raíces en el arte urbano y artistas invitadas de Urvanity.

HILDA PALAFOX

“Durante mucho tiempo, el arte fue un mundo de hombres, pero justo en este momento las mujeres estamos creando todo un movimiento y haciendo una diferencia. La mujer siempre ha sido mi mayor inspiración, pero ahora más que nunca”, confiesa Hilda Palafox, ilustradora, diseñadora, dibujante y artista de la escuela de diseño del Instituto Nacional de Bellas Artes de la Ciudad de México. “A veces, a lo largo de mi carrera, he sentido que se me ponían más barreras que a los hombres, pero trato de usarlo a nuestro favor; enfocarme en mirar hacia adelante, hacia el camino que grandes mujeres han creado para nosotras y seguir avanzando, derribando esas barreras”.

“Durante mucho tiempo, el arte fue un mundo de hombres, pero justo en este momento las mujeres estamos creando todo un movimiento y haciendo una diferencia.

Y a pesar de todas esas barreras, Poni (su pseudónimo), se ha consolidado como una de las artistas que mejor ensalza a la mujer con su arte. A través de líneas minimalistas, colores pastel (o blanco y negro, sus preferidos) y un hipnótico equilibrio compositivo, dibuja mujeres pensativas, nostálgicas, con miradas inexistentes, que a su vez desprenden una feminidad, una poesía visual y una fortaleza difícil de explicar. Como si ellas, sin necesidad de nada más que su propia naturaleza de mujer, fueran capaces de todo.

MARTINA MERLINI

“En general, el mundo del arte está muy orientado hacia el hombre. Raramente comparto galerías con otras mujeres y, en concreto, el escenario del arte abstracto también es muy masculino”, explica Martina Merlini (Bolonia 1986), la artista italiana que irá a Urvanity de la mano de Swinton Gallery.

Comenzó como ilustradora, con un estilo figurativo a caballo entre Milán y Berlín. Hoy, explora nuevas técnicas y materiales como la cera, el esmalte y la madera. “Soy por naturaleza una persona que ama lo multidisciplinar. Comencé mi carrera como diseñadora gráfica, seguí con la pintura figurativa y poco después, descubrí la tercera dimensión, desarrollando instalaciones y esculturas con madera curvada y telas teñidas a mano. Actualmente la madera es mi material favorito, por su facilidad de modificación, curvado y cortado”.

Sin embargo, esa ambición por descubrir nuevos campos le impide no seguir planteándose futuros retos y objetivos y nos adelanta que le encantaría centrarse más en el aspecto instalador y escultórico. “Comparto el estudio con muchos amigos que son impresores, diseñadores… por lo que siempre está muy concurrido y lleno de gente. Me gustaría también descubrir cómo mi trabajo puede cambiar, cambiando el entorno por completo. Creando sola, en una casa en la montaña, al lado del río”, explica.

Por encima de todo, Sol Lewitt es su inspiración, pero también “Bruno Munari, Anni Albers y los elegantes diseños de los Eames”, comenta.

Raramente comparto galerías con otras mujeres y, en concreto, el escenario del arte abstracto también es muy masculino”

LAURINA PAPERINA

Una inspiración muy diferente a la de Laurina Paperina (Rovereto 1980), artista italiana que cambia ese arte abstracto de Martina y esas mujeres poéticas de Poni, por Bob Esponja, el famoso Ungry cat o Mike Wazowski de Monstruos S.A (o el perro Zelda, uno de sus preferidos). “La cultura popular es mi pan de cada día: Las películas de serie B, los fanzines, los dibujos animados y los videojuegos siempre han sido de inspiración. En particular las películas de terror de los años ochenta y noventa, hicieron que saliera a la luz mi vena splatter. Pero también el arte contemporáneo y los artistas del pasado han influido en mi investigación. Por ejemplo, Bosch y Bruegel, artistas visionarios del siglo XVI fueron fundamentales para el desarrollo de mi reciente serie de obras titulada ‘Apocalypse Now’, grandes pinturas sobre el lienzo donde escenarios apocalípticos abarrotados se mezclan con la iconografía pop y la sátira social”.

‘Apocalypse Now’, grandes pinturas sobre el lienzo donde escenarios apocalípticos abarrotados se mezclan con la iconografía pop y la sátira social”.

ANNA TARATIEL

Y ante el caos de Paperina, Anna Taratiel (Terrasa 1982) aporta el equilibrio. “En mis trabajos el color es el protagonista, el responsable de transmitir emociones. Las líneas y las formas son las que aportan la lógica y la razón”, explica. Comenzó pintando en el año 2000, en la calle, en
los muros, bajo el pseudónimo de OVNI, con el mismo equilibrio, geometría y color que ahora reina en su taller. “La calle es mi punto de partida, a partir de ahí se desarrolla toda mi carrera artística y no voy a esconder que pintando murales me siento muy cómoda”, confiesa la artista. “Lo que me interesa de cada proyecto, es el proceso. Es decir, todo lo que ocurre desde que me lo encargan, hasta que lo finalizo y lo enlazo con el siguiente. Vivo el arte como la vida, de una manera continua y sin interrupciones”.

Vivo el arte como la vida, de una manera continua y sin interrupciones

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Urvanity, la primera feria de galerías de arte urbano en Madrid

Atención todos los amantes del arte urbano. El próximo 23 de febrero, tenemos una cita en el Palacio de Neptuno de Madrid: Urvanity. Poneos guapos porque allí estarán señores de la talla de Banksy, DFace, JonOne o Jef Aerosol.  Se trata de Urvanity, la primera y única feria (por ahora) en nuestro país dedicada al Nuevo Arte Contemporáneo. Vamos, de Arte Urbano. Se celebrará del 23 al 26 de febrero en el Palacio de Neptuno de Madrid y, a pesar de compartir fechas con ARCO, Sergio Sancho, director de Urvanity, no teme al gigante. “A pesar de celebrarse en las mismas fechas, Urvanity no es una feria satélite más. Tenemos un público muy diferente y aquí encontrarán obras que es impensable encontrar allí. Queremos romper con las normas establecidas y mostrar algo completamente distinto a lo que estamos acostumbrados a ver”, asegura.  Continuar leyendo “Urvanity, la primera feria de galerías de arte urbano en Madrid”

MULAFEST 2017 | EL FESTIVAL DE CULTURA URBANA EN MADRID

Mulafest cumple 6 años. Y se nota

El que un día fue el nuevo festival de cultura urbana en Madrid, ya cuenta con 6 ediciones a sus espaldas, y eso se nota. Primero, porque la propuesta cultural es cada vez más ‘madura’, más estable y más fundamentada. El graffiti más puro ha dejado espacio al arte urbano, a la ilustración, el cómic y al arte más clásico. Los escenarios se han llenado de teatro, charlas, documentales y cortos además de break dance. Y este año, además, coincidiendo con la celebración del World Pride Madrid 2017, MULAFEST ha incorporado a su programación una de las mayores muestras de arte erótico LGTBQ.

MULAFEST NIÑOS

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Dingoperromudo y Gnosick en Swinton Gallery

¡Atención amantes del arte urbano! El día 12 se inaugura en Madrid una nueva exposición en Swinton Gallery. Los protagonistas, esta vez, son Javier Iglesias (Gnosick) y Dingoperromudo.

Primera exposición de Dingoperromudo

Desde 2008 hasta ahora le habíamos visto en las paredes, fachadas y cierres de Madrid, pero ya era hora de que el perro blanco de orejas rosas se colara en una galería. Y lo hace, eso sí, junto con sus paisajes idílicos del Parnaso, lleno de plantas, frutas, árboles, flores y fondos verdes. Esta primera exposición de Dingoperromudo (que no la última, ni mucho menos), lleva por título ‘Psique’ y es algo así como ‘la representación interior de Dingo’, asegura el artista, “ese rincón al que acudir para la reflexión o la contemplación y en el que se tratan momentos de temática trascendental e introspectiva”. Y es quizá, ese rincón de reflexión el que quiere el artista que encontremos cuando estemos ante una de sus obras  colgadas en las paredes de Swinton. “Cuando todo a nuestro a alrededor parece estar desmoronándose, tenemos un refugio inalterable en nuestro interior capaz de devolvernos la calma y la tranquilidad, y de permitirnos recuperar la confianza y el equilibrio” explica. Podéis leer una entrevista completa que hice al artista en ElDuende.com

Ataraxia Geométrica de Javier Iglesias

Y de meditación, paz y serenidad interior va la cosa, porque Dingoperromudo compartirá pared con Javier Iglesias (Gnosick) quien también propone una exposición llena de meditación. La ha bautizado como Ataraxia Geométrica que, según epicúreos, estoicos y escépticos  consiste en “un estado de ánimo mediante el cual se disminuye la intensidad de pasiones y deseos que pueden alterar el equilibrio mental y corporal”, explica el artista. “Un estado meditativo de tranquilidad, serenidad e imperturbabilidad en relación con el alma, la razón y los sentimientos” Así que, preparad vuestro psique, activad vuestra Ataraxia y abrid bien los ojos y el alma para encontrar esa paz interior que Dingo y Gnosick, junto con Swinton Gallery proponen en pleno barrio de Lavapiés.

 

¿Cuándo? del 12.05.2017 al 17.06.2017 ¿Dónde? Swinton Gallery C/ Miguel Servet 21 Metro Lavapiés o  Embajadores.